Романс (испан. romance) — камерное вокальное произведение для голоса с инструментальным сопровождением. Термин «романс» возник в Испании и первоначально обозначал светскую песню на испанском («романском») языке, а не на латинском, принятом в церковных песнопениях. Сборники таких песен, часто объединённых общим сюжетом, носили название «романсеро». Распространившись в других странах, термин «романс» стал обозначать, с одной стороны, поэтический жанр: особо напевное лирическое стихотворение (а также стихотворение, предназначенное для музыки), а с другой — жанр вокальной музыки.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство
«ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Леонид Осипович Пастернак – русский художник, представитель модерна, самобытный живописец и график, мастер жанровых композиций и книжной иллюстрации родился 3 апреля 1862 г. Имя Л. О. Пастернака хорошо знакомо прежде всего как создателя иллюстраций к роману Л. Н. Толстого «Воскресение». Произведения художника хранятся во многих музеях России и за рубежом. Многочисленное творческое наследие включает в себя как живописные работы, так и графику, в которой значительное место занимает рисунок.

В этот день 1 апреля 1923 года родился Борис Георгиевич Биргер — советский и российский художник.

В 1941 году поступил в Московский художественный институт, но через год его призвали в действующую армию. На фронте служил военным переводчиком, часто действуя в передовых частях вместе с разведчиками, допрашивал пленных прямо на поле боя. Окончил войну в Болгарии.

С 1945-1951 гг. продолжал обучение в том же институте, и по его окончанию примкнул к «неофициальному искусству», продолжая традиции символизма.
В 1954 г. был принят в Союз художников СССР, однако дважды (1962 и 1968) исключался за резкую критику официальной культурной политики. Был одним из участников "Выставки семи" (Ленинград, 1962 г.), обозначившей рубежи "сурового стиля".

Биргер создал индивидуальный, очень узнаваемый по колористике стиль портретной живописи, изображая преимущественно представителей либеральной творческой интеллигенции. Особую известность получили его портреты деятелей духовной оппозиции, писателей, — А. Д. Сахарова, Ю. М. Даниэля, Б. Ш. Окуджавы, Н. Мандельштама и др. Борису Георгиевичу принадлежит единственный прижизненный портрет Варлама Шаламова (1967, ныне в Вологодской картинной галерее), ответившего художнику стихотворением «Живопись»

Классик отечественной сатиры Владимир Войнович вспоминает: «Биргер был очень худощавый человек, он был довольно высокого роста и весил, как он утверждал, 43 килограмма. Этот человек был жутко трудолюбивый, он каждый день ездил на работу на метро. Естественно, с пересадками. Когда назад он ехал, было очень поздно, метро было полупустое, он садился где-нибудь в углу с блокнотом и кого-то из пассажиров метро тайком рисовал… Никто никогда не знал, когда он спал. Ему позвонишь часа в два ночи, он еще не ложился. А если позвонить в шесть утра, то он уже встал. Как художник он был известен. Он портретист, пейзажист, и натюрморты. Хотя он прошел разные школы. Он же был одно время абстракционистом. Писал какие-то совершенно абстрактные фигуры. Пройдя эту школу, вернулся к реализму и ближе из мировых художников ему был Рембрандт. Он [Биргер] всегда утверждал, что он любит писать свет. Он постигал тайну света на холсте. Картины его всегда были такие загадочные, мистические, хотя это чистый реализм, но не реализм фотографии».

С 1970-х годов Биргер получил известность за рубежом. Работы Б. Г. Биргера неоднократно экспонировались на художественных выставках, проходивших в Нью-Йорке (1975), Париже (1976), Лондоне (1977) Кёльне и других городах.

С 1990 года Б.Г. Биргер жил в Германии в поселке Роландзек. Он умер 4 августа 2004 года под немецким городом Бонном, но похоронен в Москве, на Перловском кладбище.

Материал подготовлен на основе информации из открытых источников.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Мы приглашаем к совместному просмотру виртуального мастер-класса по лепке из полимерной глины.

Полимерная глина — это пластичный материал, который используется для лепки различных изделий. Этот материал по виду очень напоминает обычный пластилин, но затвердевает до твердого состояния. Изготовленную из запекаемой глины фигурку можно поставить в горячую печь, чтобы она навсегда сохранила свою форму.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство
«ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

В этот день 31 марта 1923 г. родился российский художник-импрессионист Арон Фроимович Бух.

Не каждому художнику доводится получить признание критиков и зрителей еще при своей жизни. Арону Буху — удалось!

Арон Бух родился в маленьком украинском городке Бердичеве, в трехлетнем возрасте был перевезен в Москву. Семья переехала в столицу в 1926 году, спасаясь от волны погромов. Жили большой семьей в подвале где-то в арбатских переулках.

После войны началось его профессиональное ученичество. Он стал посещать художественную студию ВЦСПС. Эта студия была связана с именами К.Ф. Юона и И.И. Машкова. В 1947 году окончил с отличием Московский областной техникум изобразительного искусства (ныне Московское государственное академическое художественное училище памяти 1905 года), учился у В.Н. Бакшеева

С 1948 – участвовал в московских, республиканских и всесоюзных художественных выставках.
С 1959 – Член Союза художников СССР.

Вторая половина XX века определила творческий путь Арона Буха — поиск живописной свободы. Бух предельно экспрессивен. Его букеты сравнимы с живописными взрывами. Он изображает не отдельный узнаваемый цветок или продуманно составленную композицию, а свое живописное отношение к окружающему миру. Его живопись лучше рассматривать на значительном расстоянии, чтобы воспринимать не отдельные «хорошо темперированные» мазки кисти, удары мастехина или попросту смачные движения пальцев руки, а красочные аккорды в целом. Составляющие его неповторимого стиля — яркая палитра чистых цветов и пастозная манера письма.

Графические поиски свободы Арона Буха остались неизменными, их экспрессивное начало с тонкой лиричностью проходит сквозь время, отображая его мастерство и раскрывая еще одну грань художника.

В ноябре 2019 года в Культурном центре «Дом Озерова» прошла выставка произведений московского художника - экспрессиониста Арона Буха (1926 — 2006) «Сквозь время». В экспозицию выставки «Сквозь время» вошло более 50 произведений живописи и графики из частных коллекций, при поддержке Галереи «ЭКСПО-88».
Материал подготовлен на основе информации открытых источников.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство
«ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Сегодня, 30 марта 1853 года в деревне Гроот-Зюндерт в провинции Северный Брабант на юге Нидерландов в семье протестантского пастора родился Винсент Ван Гог голландский художник постимпрессионист.

В 1868 году Ван Гог бросил школу, после чего поступил на работу в филиал крупной парижской художественной компании Goupil & Cie. Успешно работал в галерее сначала в Гааге, затем в отделениях в Лондоне и Париже.

К 1876 году Винсент окончательно охладел к торговле живописью и принял решение пойти по стопам своего отца. В Великобритании он нашел работу учителя в школе-интернате в небольшом городке в пригороде Лондона, там же исполнял обязанности помощника пастора.

В 1879 году Ван Гог получил должность светского проповедника в Ваме, шахтерском центре в Боринаже, на юге Бельгии. Затем он продолжил свою проповедническую миссию в расположенном неподалеку селении Кем.

В этот же период у Ван Гога возникло желание рисовать.

В 1880 году в Брюсселе он поступил в Королевскую Академию художеств (Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles). Однако из-за своего неуравновешенного характера скоро бросил курс и продолжил художественное образование самостоятельно, используя репродукции.

В 1881 году в Голландии под руководством своего родственника, художника-пейзажиста Антона Мауве, Ван Гог создал свои первые живописные работы.
Парижский период (1886-1888 годы) стал одним из наиболее продуктивных творческих периодов художника.

В феврале 1888 года Ван Гог отправился на юг Франции в Арль, где мечтал создать творческое сообщество художников.

В декабре психическое здоровье Винсента сильно пошатнулось. Во время одной из неконтролируемых вспышек агрессии, он угрожал открытой бритвой приехавшему к нему на пленэры Полю Гогену, а затем отрезал себе кусок мочки уха, послав его в подарок одной из знакомых женщин. После этого инцидента Ван Гог был помещен сначала в психиатрическую лечебницу в Арле, а затем добровольно лег на лечение в специализированную клинику Святого Павла Мавзолийского близ Сен-Реми-де-Прованс. Главный врач лечебницы Теофиль Пейрон поставил своему пациенту диагноз "острое маниакальное расстройство". Однако художнику была предоставлена определенная свобода: он мог писать на открытом воздухе под надзором персонала.

В Сен-Реми у Винсента чередовались периоды бурной активности и длительные перерывы, вызванные глубокой депрессией. Всего за год пребывания в клинике Ван Гог нарисовал около 150 картин. Одними из самых выдающихся полотен этого периода стали: "Звездная ночь", "Ирисы", "Дорога с кипарисами и звездой", "Оливы, синее небо и белое облако", "Пьета".

В сентябре 1889 года, при активном содействии брата Тео, картины Ван Гога приняли участие в Салоне Независимых, выставке современного искусства, организованной Обществом Независимых художников в Париже.

В январе 1890 года полотна Ван Гога были выставлены на восьмой выставке Группы двадцати в Брюсселе, где были восторженно приняты критиками.
В мае 1890 года в психическом состоянии Ван Гога наступило улучшение, он вышел из больницы и поселился в местечке Овер-сюр-Уаз (Auvers-sur-Oise) в пригороде Парижа под присмотром доктора Поля Гаше.

Винсент активно занялся живописью, практически каждый день он заканчивал живописное полотно. В этот период он написал несколько выдающихся портретов доктора Гаше и 13-летней Аделины Раву, дочери владельца гостиницы, в которой он поселился.

27 июля 1890 года Ван Гог в обычное время вышел из дома и отправился рисовать. По возвращении, после настойчивых расспросов четы Раву, он признался, что стрелял в себя из пистолета. Все попытки доктора Гаше спасти раненного оказались тщетными, Винсент впал в кому и ночью 29 июля умер в возрасте тридцати семи лет. Был похоронен на кладбище Овера.

Американские биографы художника Стивен Найфех и Грегори Уайт Смит в своем исследовании "Жизнь Ван Гога" (Van Gogh: The Life) выдвинули альтернативную версию смерти Винсента, по которой он умер не от собственной пули, а от случайного выстрела, совершенного двумя нетрезвыми молодыми людьми.

За время десятилетней творческой деятельности Ван Гог успел написать 864 картины и почти 1200 рисунков и гравюр. При жизни была продана только одна картина художника — пейзаж "Красные виноградники в Арле". Стоимость картины составила 400 франков.

Материал подготовлен на основе информации открытых источников.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР

Мы приглашаем к совместному просмотру видеоэкскурсии по экспозиции деревянной скульптуры Альберта Леонардова «Здесь русский дух…», которая представляет около 40 работ талантливого мастера-самоучки.

Альберт Васильевич Леонардов (1948 – 2009) - самобытный скульптор, поэт (Член Союза писателей России) и книжный график родился в г. Коломне, но всю жизнь прожил в г. Москве, где в основном работал электриком на заводе шампанских вин.

О даре скульптора - резчика по дереву долгое время знали только друзья и близкие. В их среде и расходились изначально работы. Многие его произведения в силу их самобытности привлекли внимание и пополнили частные коллекции не только в России, но и в Америке, Франции, Англии, Турции, Арабских Эмиратах.

В творчестве мастера прослеживается несколько тем: сказочные и литературные мотивы, людские страсти, бытовые зарисовки, образы минувшего. Композиции на сказочный или литературный сюжет нельзя считать иллюстрациями к конкретным произведениям, скорее – это зримые авторские комментарии к ним. Своё понимание темы, отношение к ней А.В. Леонардов передаёт зрителю через внешнюю характеристику героев, детали композиции.

Все произведения А.В. Леонардова пластически близки природным формам – капам, корягам. Силуэты его творений органичны окружающей натуре, но абрисы их как бы слегка подправлены умелой рукой. Его круглая скульптура будто произрастает из земли, а рельефы панно словно проступают на поверхностях деревьев и скал. При работе с деревом художник пользовался обычно лишь несколькими инструментами: сверлом, долотом, резцом, полукруглыми стамесками и выжигателем собственной конструкции.

В целом образы, создаваемые резчиком, нельзя втиснуть в узкие рамки конкретики, что нашло отражение в определении названий произведений. Известно, что художник редко давал имена своим творениям, зачастую, их присваивали друзья, или организаторы выставок

Выставка является постоянной.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»
Мы приглашаем к совместному просмотру видеопрезентации, которая познакомит Вас с творчеством коломенского художника Юрия Городничева(1936-2016 гг.)

В апреле 2016 года в Культурном центре «Дом Озерова» была представлена выставка посвященная 80-летию со дня рождения известного коломенского художника, члена Союза художников России Юрия Михайловича Городничева (1936-2016 гг.)

Работы художника находятся в частных коллекциях Франции, США, Канады и многих других стран. Юрий Михайлович Городничев был постоянным участником выставок в родной Коломне.

Основными темами творчества живописца были пейзажи, также он любил писать натюрморты и портреты. Художник отображал мир, но таким, чтобы чистота и свет проникали в душу каждого человека.

Произведения Юрия Городничева знакомят с образами природы, полными тонкой поэзии и сложных человеческих переживаний. Художнику нравилось «писать чистую природу», потому что он верил, что поле и река, дерево и травинка способны заворожить человека, пленить его сердце.

Юрий Городничев был необыкновенно трудолюбивым человеком и не представлял своей жизни без работы, хотя не очень любил выставлять своё творчество напоказ. Сохраняя любовь к родному краю, художник не успокаивался на уже найденных удачных решениях, непрестанно писал этюды, размышлял об увиденном.

«Мне Бог дал счастье любить красоту природы, её чистую душу, впитывать и передавать свои чувства к ней», - говорил мастер.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Мы приглашаем к совместному просмотру виртуального мастер-класса по созданию работы, выполненной акварелью в технике «по-сырому».

Акварель по-сырому — техника в акварели, когда краска наносится на обильно смоченную водой бумагу, такой способ возможен только в акварельной живописи. Метод «по-сырому» часто применяется в комбинации с работой акварелью «по-сухому». Он требует точности в выборе цвета и тона. Даже опытный мастер, работая по мокрой бумаге, не может предвидеть окончательный результат, так как рисунок остаётся «в движении» до полного высыхания. В то же время именно своей непредсказуемостью акварель «по-сырому» привлекает многих художников.

Произведениям, выполненным акварелью «по-сырому», свойственна мягкость мазка и неповторимая фактура красочного слоя, которых невозможно добиться ни в какой другой живописной технике. Этот метод акварельной живописи особенно подходит для выполнения пейзажей и передачи атмосферных эффектов

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство
«ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Сегодня, 29 марта 1898 г. родился Аминадав Моисеевич Каневский – советский художник-сатирик, график, иллюстратор и карикатурист. Автор знаменитого образа Мурзилки, иллюстраций к детским книгам, а также множества карикатур и сатирических плакатов.

Аминадав Каневский родился в Елисаветграде, Херсонская губерния (ныне Кропивницкий) в многодетной семье.
В январе 1917 года Каневского призвали на военную службу в царскую армию на фронт Первой мировой войны, однако летом того же года вернулся. После установления Советской власти на Украине, пошел добровольцем в Красную Армию.

С 1921 по 1924 гг. учился на рабфаке при ВХУТЕМАСе (Высшие художественно-технические мастерские) в Москве, а затем продолжил обучение на графическом факультете.

В 1930 после окончания ВХУТЕМАСа с группой товарищей однокурсников организовал бригаду плакатистов. Тогда же занялся иллюстрированием детских книг. Детям сразу же понравилось весёлое озорство его рисунков. В 1937 по просьбе редколлегии журнала «Мурзилка» создал новый образ сатирического персонажа с одноименным названием – жёлтого пушистого персонажа в красном берете, с шарфом и фотоаппаратом через плечо, который известен до сих пор. В годы Великой Отечественной войны Каневский активно работал в области политической сатиры. Рисовал антигитлеровские плакаты и многочисленные карикатуры для журналов «Крокодил», «Красноармеец» и других изданий. Многие его рисунки той поры были посвящены жизни в тылу и героическим трудовым будням.

В 1962 г. был избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР, в 1966 удостоен звания народного художника РСФСР, с 1973 г. – действительный член Академии художеств СССР, народный художник СССР. Награжден орденом Трудового Красного знамени.

Умер Аминадав Моисеевич 1 января 1976 года, его могиа находится на Головинском кладбище в Москве.
Материал подготовлен с использованием следующих информационных ресурсов:
http://vellum.ru/biografiya-i-kartiny-aminadava-kanev..
http://modernartconsulting.ru/2011/03/каневский-амина..

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство
«ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

В этот день 24 марта в 1859 году родился Савинский Василий Евмениевич.

Василий Евмениевич Савинский был любимым учеником Павла Петровича Чистякова, великого русского педагога-художника.

Целый ряд крупнейших русских художников учились у Чистякова: В.И. Суриков, И.Е. Репин, В.А. Серов, В.Д. Поленов, В.М. Васнецов, М.А. Врубель и другие.
Талантливых учеников у Чистякова было много. Однако, по выражению самого Чистякова, только Савинский «в полной мере унаследовал педагогический дар своего учителя и стал педагогом по призванию».

Картина В. Савинского «Нижегородские послы у князя Пожарского» (на Большую золотую медаль) была талантливо написана в лучших реалистических традициях русской живописи.

Совет императорской Академии художеств на заседании 29 октября 1882 года удостоил В.Е. Савинского звания классного художника I степени с правом поездки за границу на четыре года. В торжественной обстановке 4 ноября в круглом зале Академии художеств под звуки глинковского вальса, который играл оркестр на хорах, Савинскому была вручена Большая золотая медаль.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»
Мы приглашаем к совместному просмотру видеоролика, который познакомит Вас с творчеством Веры Занегиной (г. Москва)

В конце 2019 года в Культурном центре «Дом Озерова» в рамках художественного авторского проекта «Другой текстиль» проходила выставка «Дорога в дивный сад» (нетканый текстиль). Автор – Вера Занегина (г. Москва).

Об авторе.

Вера Занегина родилась в 1979 в Москве. Окончила Московский Государственный художественно-промышленный университет им. С.Г. Строганова, по специальности «Художественный текстиль». Как победитель международного художественного конкурса, была направлена на стажировку в Stiftung Bauhaus Dessau (Германия) и участвовала в международном проекте по оформлению выставочного комплекса Двора Лукаса Кранаха в Лютерштадте Виттенберге.

В 2008г. окончила аспирантуру, искусствоведческое отделение. Член Ассоциации Художников Декоративного искусства Московского Союза Художников, член Союза Дизайнеров Москвы. Лауреат международных конкурсов и фестивалей, постоянный участник профессиональных выставок. Работы Веры Занегиной находятся в частных коллекциях России и зарубежья.

В основе творчества московского художника лежит синтез древних традиций войлочного ремесла и инновационных технологий производства нетканого текстиля. Работы Веры Занегиной - это разработанные автором приемы современного текстильного искусства. Ведь нетканый синтетический промышленный текстиль даёт возможность автору создавать произведения искусства совершенно новым способом.

В экспозиции были представлены необычные работы, выполненные из синтетических цветных волокон в технике нетканого текстиля арт-протис, а также авторской технике нанесения рисунка на ткань термическим путём и рельефы из полиэфирных волокон. Синтетические материалы, используемые автором для ее работ являются продуктом вторичной переработки пластиковых бутылок. Взгляд со стороны ошибочно определяет панно, будто они сваляны из войлока. Но шерсти здесь нет.

Кроме того, художник стремится посредством декоративного искусства поднять вопросы сохранения экологии, привлечь внимание к проблеме переработки отходов, призвать к бережному отношению к природе.

Также на выставке были представлены работы, выполненные в технике горячей живописной эмали с применением базальтовых высокотемпературных тканей технического назначения. Автор представил экспериментальные технологические приемы по внедрению текстиля в художественную эмаль. Использование базальтовых волокон в декоративном искусстве, является новым как для художественного текстиля, так и для станковой эмали.

Природные мотивы, растения, образы животных наделены мифологичностью и сказочной таинственностью. Сдержанные по цвету, монохромные, линейно-пластичные и контрастные композиции увлекают зрителей в дорогу, погружают в пространство «дивного леса».

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Панорамные архитектурные пейзажи Народного художника России М.Г. Абакумова.

Отдельная страница в творчестве Народного художника России М.Г. Абакумова - панорамные архитектурные пейзажи.

Панорамы городов были в изобилии представлены в XVII—XIX веках работами художников-графиков В. Березина, Е. Федосеева, И. Мошкова и других. Они носили подробный описательный характер, их историческая ценность несомненна.

Но в современной живописи, пожалуй, нет другого художника, кто бы так целеустремленно решал задачу панорамного пейзажа, как Михаил Абакумов. Среди них есть безусловные шедевры. Это его несомненный вклад в искусство. Из десятка предложенных работ Третьяковская галерея выбрала две панорамы Михаила Абакумова: «Бурный день. Великий Устюг» (2003) и «Уходят грозы» (2003).

В панорамном полотне изобразительный ряд разворачивается не вглубь и не вверх пространства; он носит фризовый характер, что позволяет последовательно и неспешно просмотреть, например, течение реки, движение дороги, рассмотреть храмы, колокольни, дома, если они многочисленны, и создать в памяти более полное впечатление от города. При этом короткая сторона может не два раза, как принято, а три-четыре раза укладываться в длинную сторону.

Однако панорамными могут быть не только архитектурные пейзажи. Лирический провинциальный и деревенский пейзажи у Абакумова тоже часто -панорамные. В качестве примеров - «Старый колодец» (2000), «Предчувствие осени» (2000), «Осень на Бережке» (1994), «Половодье в Коломне» (1994).

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Мы приглашаем к совместному просмотру онлайн-экскурсии по выставке работ Константина Васильева из цикла «Русь былинная».

Константина Васильева в период его духовного становления особенно привлекали эпос, народная поэзия. Именно в них, обратившись к ярким и великим характерам, созданным гениальной фантазией народа, нашел он ответ на волнующие вопросы. Родилась идея широко отобразить героев народного эпоса, выстроив образы - символы в единый ряд цикла «Русь былинная». Наиболее заинтересовал Васильева древнейший слой русского былинного эпоса – княжеско-дружинный, или богатырский. Сюжеты этих былин большей частью восходят к Киевской, Черниговской Руси и Новгороду.

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Государственная Третьяковская галерея – один из самых известных в мире символов Москвы и России, здесь собрана крупнейшая коллекция шедевров русского изобразительного искусства. Своим появлением она обязана купцу, меценату, страстному коллекционеру и поклоннику творчества отечественных художников П. М. Третьякову.

В 1856 году он приобрел первое полотно для будущей галереи, в 1867–м выставка была представлена широкой публике. В 1892 году П. М. Третьяков преподнес уникальное собрание в дар родному городу. В то время коллекция насчитывала чуть меньше 2000 художественных произведений, созданных в период с XI до начала XX столетий. Безупречный вкус не изменил меценату, представленное собрание и сегодня называют золотым фондом русского искусства.

Современным посетителям Третьяковки на обозрение представлено около 100 000 произведений искусства, многие из которых знакомы каждому по многочисленным репродукциям. Не так просто сориентироваться в этой грандиозной коллекции, собранной в 62 залах.

Художники мечтали, чтобы их работы покупал именно Третьяков, хотя тот не всегда готов был платить много. Многих подкупал этот меценат со скромным характером и демократичными взглядами.

Когда Третьяков передал свою галерею в дар Москве, Александр III пожаловал ему дворянский титул. Но Павел Михайлович отказался, считая себя недостойным этого!

Его вкус был тоже особым. Он хотел видеть в картине правдивость, искренность и душевность. Игнорировал работы академические и пафосные, созданные с целью поразить публику.

Поэтому многие купленные им работы выдержали проверку временем и признаны шедеврами. В данном видео рассмотрим работы Ивана Шишкина. Рожь. 1878. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва. Приобретена П. Третьяковым и Архипа Куинджи. После дождя. 1879. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Приобретена П. Третьяковым.

В Третьяковской галерее очень много шедевров русской живописи, возможно у вас есть любимые полотна, о которых вы хотели бы увидеть сюжет. Напишите о них в комментариях!

Виртуальный зал Дома Озерова приглашает в интернет-пространство «ИСКУССТВО ЧЕРЕЗ МОНИТОР»

Мы приглашаем к совместному просмотру онлайн-экскурсии по выставке «Искусство Марки» (г. Москва)

Выставка «Искусство Марки» - это уникальный совместный проект Российской академии художеств, Союза художников России, Московского отделения Союза художников России (МОСХ России), Московского Союза художников и акционерного общества «Марка», который представляет собой объединённую экспозицию живописи, графики и почтовой миниатюры. Издательство «Марка» уже более 160 лет создаёт государственные знаки почтовой оплаты РФ. Ежегодно коллекция почтовых марок, открыток, конвертов и сувенирной продукции пополняется новыми выпусками, посвящёнными историческим событиям России, памятникам всемирного культурного и природного наследия, архитектурным достопримечательностям городов, музеям, выдающимся творческим личностям страны.